La
historia de la música es tanto el estudio de la
evolución que la música ha sufrido a lo largo de los
tiempos, como -también- el conjunto de procesos que
esta evolución ha comportado. Por un lado es una
disciplina de estudio que se inserta dentro de la
musicología histórica y, por otro, es el resultado
de los datos e interpretaciones hechas por los
musicólogos y otros investigadores.
A
su vez, el estudio de cómo este estudio de la
historia de la música ha ido evolucionando a lo
largo del tiempo se conoce como historiografía de la
música.
La
historia de la música como disciplina
Como disciplina, teóricamente, la historia de la
música hubiera podido ser considerada como una parte
de la historia del arte, pero ésta, en la mayoría de
casos, se ha circunscrito a las artes plásticas ;
por otra parte, el mismo material a historizar es
suficientemente diverso para que sus caminos sean
muy diversos.
En
un sentido amplio, la historia de la música se puede
referir, y de hecho se refiere, en cualquier aspecto
o elemento que forme parte de los fenómenos
musicales en una cultura o sociedad. Para ello
estudia la composición de obras, la interpretación,
la recepción, la transmisión, la teorización y la
crítica (o en general, la opinión), como elementos
destacados.
Como concreciones de algunos de estos aspectos,
estudia la evolución de los instrumentos, de las
agrupaciones y de las tradiciones interpretativas,
así como las formas de enseñanza y de aprendizaje.
Dado que la historia de la música entiende la música
como parte de un sistema cultural, requiere,
igualmente, el estudio de todos aquellos otros
elementos -algunos de ellos no específicamente
musicales- que permiten insertar cada música en su
contexto geográfico , histórico y cultural.
En
este sentido son importantes los estudios
biográficos que permiten, a menudo, no sólo
contextualizar y dotar de significado producciones
musicales concretas.
Exclusiones
Desde sus inicios -que se sitúa habitualmente en el
siglo XVIII -, el estudio de la evolución de la
música se ha referido casi exclusivamente a la
música clásica europea. De esta manera,
tradicionalmente, la historización de, por ejemplo,
la música hindú ha considerado que correspondía más
bien a la etnomusicología, y que la historia del
rock formaba parte del campo de acción de los
estudios culturales.
Estas han sido algunas limitaciones importantes de
la historia de la música pero no las únicas. Una
parte no pequeña de los historiadores de la música
clásica europea, han actuado con unos objetivos, una
metodología y unos posicionamientos apriorísticos
limitados.
Lejos de aplicar un concepto de música amplio, que
englobara todos los procesos humanos que hacen
posible la existencia de la música, a menudo se han
centrado en la evolución de la composición, y han
hecho una historia de la composición y de los
compositores líderes.
De
resultas de ello, muchas veces la historia de la
música ha acabado siendo una historia de los estilos
compositivos con una atención preferente a la
evolución de las formas musicales y de las técnicas
compositivas, contextualizada socialmente en los
mejores de los casos.
El
siglo XIX , y en concreto el Romanticismo , con su
mirada hacia el pasado, dio un impulso muy notable
en esta historia de la música nacida el siglo
anterior en el contexto de la Ilustración. El
Romanticismo (y más tarde el positivismo) impulsó
estudios históricos musicales mediatizados por el
concepto del genio , y en concreto del genio
creador, compositor.
El
principal centro de interés eran las obras que el
análisis musical de la época -aplicando la ideología
de la obra de arte autónoma- consideraba obras
maestras ‘del pasado, y, por extensión, las
biografías de sus autores.
Por
ello, a lo largo de buena parte del siglo XIX y del
siglo XX , la historia de la música (clásica
europea) ha sido, mucho, una historia de la
composición, con una dedicación menor no sólo a
otros fenómenos sino también a las implicaciones
sociales y culturales completas y reales de estos
procesos compositivos.
También por eso, a menudo, esta disciplina se ha
sentido más atraída por el estudio de fenómenos
minoritarios que implicaban músicas que la teoría
musical y el análisis musical consideraban ‘de
calidad’, que por el estudio de otros fenómenos con
más relevancia social, pero referidos a unos
productos musicales que no disfrutaran de este
prestigio.
Esto explica que la historia de la música del siglo
XX ‘pase mucho más a menudo por Arnold Schönberg o
Ígor Stravinski, por poner algunos ejemplos, que por
el pop y el rock. Si bien a lo largo del siglo XX
hay ejemplos de estudios de historia de la música
hechos con una visión amplia, sí es cierto que la
simbiosis de disciplinas como la etnomusicología y
los estudios culturales con la musicología histórica
ha hecho que una parte significativa de los estudios
de historia de la música de las últimas décadas se
llevaran a cabo con un alcance mucho más amplio, y
que se plantearan más estudios de historia de la
música popular.
Susan McClary señaló que a menudo ha parecido como
si los posicionamientos posmodernos y críticos que
han impregnado otras disciplinas de las ciencias
sociales no lograran hacer lo mismo en la historia
de la música y que los avances metodológicos menudo
se generalizaban cuando en otras ciencias sociales
ya resultaban sobrepasados por otros
posicionamientos aún más actualizados. Y esto es una
consecuencia más de la ideología de la obra de arte
autónoma.
Métodos
Los
métodos y las herramientas de la historia de la
música son casi tan diversos como sus temas de
estudio. Incluyen el estudio de fuentes documentales
originales, y la aplicación de metodologías diversas
para evaluarlas, interpretarlas y extraer
conclusiones.
Las
fuentes documentales son de índole muy diversa,
tanto a su contenido como a los soportes.
En
cuanto al soporte, se trata sobre todo de
documentación escrita (sobre papel, pergamino u
otros soportes), pero también retablos u otros
lugares donde se puedan encontrar representaciones
iconográficas que aporten información sobre
instrumentos (como son, como se tocan, como se
combinan .. .), sobre situaciones de interpretación
musical, etc. sin olvidar a los soportes sonoros y
videográficos (CD, DVD, …) cuando se trata de la
historia de música bien reciente.
Paralelamente, la musicología histórica ha tenido
que preocuparse de que los archivos donde se guardan
estas fuentes fueran localizables y consultables.
En
cuanto al tipo de información que contienen estas
fuentes, es también muy diversa: partituras (sean
manuscritas por el mismo compositor o primeras
ediciones, en las que, a menudo, hay que aplicar
conocimientos de paleografía musical);
representaciones de instrumentos y / o de
interpretaciones; documentación privada (diarios,
crónicas, cartas …); normativa; biografías;
documentación económica diversa (contratos,
compraventas …); testamentos; prensa (programas,
críticas, …); tratados teóricos o didácticos, etc.
El
historiador de la música aplica a estas fuentes
metodologías diversas de análisis, algunas más
propias de la misma historia , como por ejemplo
cuando trabaja con contratos o testamentos, o más
específicas de la música como por ejemplo las del
análisis musical cuando trabaja con una partitura o
debe poder descifrar hasta qué punto es verosímil
una representación iconográfica.
De
esta manera los especialistas de la historia de la
música elaboran monografías que pueden versar sobre
aspectos muy muy diversos.
He
aquí algunos ejemplos:
historia de una institución o de un grupo musical;
la música en un centro cultural (una corte, un
monasterio, una ciudad …) en un período; evolución
de la música para un instrumento, o para un grupo de
instrumentos, o para una agrupación (la orquesta …);
la práctica interpretativa en un periodo y lugar
concretos:
formas de interpretar (instrumentos, articulación,
ornamentación , tempos ), funciones, significados,
circunstancias, repertorios, para quien …); la
evolución de un género (la sinfonía, la ópera …) en
unas coordenadas geográficas y / o cronológicas
concretas; la historia de un estilo (todo o en una
zona concreta); la producción de un compositor
(posiblemente conectada a su biografía); la
incidencia de un invento (la radio, …) en la cultura
musical de un grupo humano; biografías de autores y
/ o intérpretes; la difusión de un estilo , un
género o una forma musical más allá del lugar y
momento de origen con las correspondientes
transformaciones; la producción de un grupo de
músicos con ataduras estilísticas (escuela); la
evolución de una forma de interpretación (los
castrados …); la evolución de los aspectos
profesionales y contractuales del músico, etc.
Asimismo elaboran ediciones críticas de obras de
otros momentos históricos.
Pedagogía
La
historia de la música ocupa un lugar importante en
la enseñanza y el aprendizaje de la música; en
muchos casos es el único acercamiento a la música
desde fuera de la misma disciplina, y con la
metodología de otra ciencia (la historia).
Hay
elementos de cronología de la música del pasado a
los currículos de primaria y de secundaria
obligatoria así como el bachillerato. Igualmente hay
en los currículos de los conservatorios de grado
profesional; y n ‘hay en los currículos de muchas
escuelas de música que a menudo han adaptado muchos
elementos de los currículos oficiales de los
conservatorios.
En
la mayoría de casos estas asignaturas sirven más
para organizar sobre unos ejes temporales unos
repertorios que los respectivos sistemas consideran
que el alumnado debe conocer que para entender
realmente el sentido evolutivo que la disciplina
quiere profundizar.
A
todos estos tipos de enseñanzas convierte casi la
única aproximación externa a la música,
desestimándose otros como podrían ser desde la
sociología, la antropología o la geografía.
En
la enseñanza superior -concretamente a las
enseñanzas universitarias de musicología y al grado
superior de música, se mantiene la presencia de las
asignaturas de historia de la música, con dos
diferencias con respecto a los estadios anteriores;
por un lado, un mayor grado de profundización hace
que las asignaturas se dediquen a tramos concretos
de esta historia (historia de la música medieval, de
la música del siglo XVII, …) y a veces
-especialmente en los postgrados- se dediquen a
circunstancias concretas; por otro, y especialmente
a los estudios superiores de música, la historia de
la música deja de ser la aproximación preferente a
la música desde la metodología de otro campo
disciplinario y aparecen otras disciplinas como la
sociología, etc.
La
historia de la música como evolución de la música
Uno
de los resultados importantes del estudio llevado a
cabo por la musicología histórica es la
periodización de la historia de la música. Esta, se
ha llevado a cabo aplicando los criterios, límites y
métodos mencionados antes, con conexiones desiguales
con la historia general y con la historia del arte,
y estableciendo unas franjas que. en muchos casos,
vienen dadas principalmente por elementos de estilo
.
Música prehistórica
El
desarrollo de la música entre los seres humanos
aconteció con el telón de fondo de los sonidos
naturales del entorno. Posiblemente estuvo influido
por los cantos de los pájaros y los sonidos que
otros animales utilizan para comunicarse.
Algunos biólogos han teorizado que la habilidad para
reconocer sonidos no creados por humanos que
podríamos considerar “musicales” proporciona una
ventaja selectiva. (Véase Música animal).
La
música prehistórica, habitualmente llamada música
primitiva , es el nombre dado a toda la música
producida en culturas preliteràries, actividad
iniciada en algún lugar incierto y en un pasado muy
lejano.
La
música indígena de América y el aborigen de
Australia se podría llamar prehistórica por sus
características, pero el término se utiliza para
referirse a la música europea anterior al desarrollo
de la escritura.
Es
más habitual denominar la música “prehistórica” de
los continentes no europeos, especialmente la que
todavía existe en la actualidad, música folclórica,
étnica o tradicional.
Música de la antigüedad
Se
considera que la prehistoria concluyó con el
desarrollo de la escritura , y por tanto, también la
música que se producía. La música de la antigüedad
es el nombre con que se denomina la actividad
musical realizada durante el Edad antigua.
La
canción más antigua que se ha encontrado está
escrita en grafía cuneiforme ; se encontró en Ur , y
data del año 4000 aC. Ha sido descifrada por la
profesora Anne Draffkorn Kilmer de la Universidad de
Berkeley ( California ), y ha demostrado que está
compuesta en armonías con intervalos de terceras,
como los antiguos gymel ingleses, y utilizaban la
afinación pitagórica del escala diatónica .
Hay
dibujos en jarrones y paredes de instrumentos de
viento con dos tubos, como los utilizados por los
griegos, y gaitas antiguas. También encontramos
escritos, como los de Aristóteles (Problemas , Libro
XIX.12) que describen técnicas musicales de la
época, indicando algún tipo de polifonía.
Instrumentos como la flauta de siete agujeros y
varios tipos de instrumentos de cuerda se han
recuperado en los yacimientos arqueológicos de la
civilización del Valle del Indo.
La
música clásica india ( marga ) se encuentra recogida
en las escrituras de la tradición hindú, los Vedas .
En el Samaveda , uno de los cuatro vedas, se
describe extensamente la música antigua hindú.
Tradiciones clásicas
La
música clásica es un término amplio, un poco
impreciso. Una música es clásica si incluye algunos
de los rasgos siguientes: una tradición aprendida,
apoyo desde la iglesia o la corte , o de un gran
capital cultural. La música clásica también se
describe como compleja, duradera, trascendente y
abstracta.
En
muchas culturas la tradición clásica coexiste con la
música tradicional o popular, ocasionalmente durante
miles de años, y con niveles diferentes de
intercambio mutuo con la tradición paralela.
Asia
Por
zonas, la música asiática cubre fundamentalmente las
culturas musicales de Arabia, Asia Central, Este de
Asia Oriental, Sur de Asia, y Sudeste de Asia.
India
La
música india es una de las tradiciones musicales más
antiguas del mundo. La civilización del Valle del
Indo tiene esculturas donde se representan
espectáculos de danza y aparecen instrumentos
musicales antiguos, como la flauta de siete
agujeros.
Varios tipos de instrumentos de cuerda y tambores se
han recuperado en las excavaciones realizadas por
Sir Mortimer Wheeler en Harappa y Mohenjo-Daro.
El
Rigveda presenta elementos de música hindú actual,
con una notación musical que indica la métrica y la
manera de cantar. La antigua tradición musical hindú
también habla de tres acentos y de una música vocal
conocida como “Samagan” ( Sama significa melodía y
Gan la manera de cantar).
Los
orígenes de música clásica hindú se encuentran
descritas en uno de los resúmenes literarios más
antiguos, las Vedas. En el Samaveda , uno de los
cuatro vedas, se describe la música con bastante
detalle.
La
música clásica hindú incluye las dos grandes
tradiciones de la música carnática del sur y la
música clásica Idioma indostánico del norte. Estas
tradiciones son milenarias y se han desarrollado a
lo largo de grandes períodos; actualmente siguen
vivas y son fundamentales en la vida de los hindúes
como fuente de inspiración religiosa, expresión
cultural y entretenimiento.
La
música clásica hindú ( marga ) es monofónica , y se
basa en una línea melódica modal única o rāga , que
rítmicamente se organiza mediante las talas. La
música carnática es en gran parte dedicada al culto
religioso; la mayoría de las canciones se dirigen a
las divinidades hindúes.
Pero también existen muchas canciones amorosas y que
tratan diversos temas sociales.
En
contraste con la música carnática, la música
hindustaní no solamente está influida por las
antiguas tradiciones musicales, la filosofía védica
y los sonidos de los nativos, sino también por las
prácticas interpretativas persas los mongoles
afganos.
China
La
música clásica china es el arte tradicional o de la
corte de China. Tiene una larga historia que se
remonta a más de 3.000 años de existencia. Tiene sus
propios sistemas de notación musical , un
determinado sistema de afinación , alturas ,
instrumentos musicales y estilos o géneros
musicales.
La
música china es pentatónica -diatònica, teniendo una
escala de doce notas en una octava (5 + 7 = 12),
como en la música europea.
Persia
La
música persa es la música de Persia y de los países
de lengua persa . Musiq , es la ciencia y el arte de
la música, y Muzik , el sonido y la interpretación
de la música. Los iraníes antiguos daban gran
importancia a la música ya la poesía, como todavía
hacen en la actualidad.
Europa
La
música clásica europea es un término un poco ancho,
y hace referencia a la música producida por las
tradiciones artísticas en Europa, especialmente
entre el año 1000 y 1900, si bien la denominación de
“música clásica” se sigue aplicando a las
composiciones de los siglos XX y XXI que surgen de
esta tradición. La fundamentación teórica de esta
tradición se desarrolló entre 1550 y 1825.
Grecia
Una
parte importante de la historia escrita de la
Antigua Grecia estaba dedicada al antiguo Teatro
griego , en el que los corazones actuaban en actos
de entretenimiento y en celebraciones religiosas.
Entre los instrumentos musicales que los acompañaban
estaba el aulos, de caña doble, y un tipo de lira ,
instrumento de cuerda pinzado: la cítara.
La
música tenía un papel importante dentro de la
educación de los individuos, y los chicos se les
enseñaba a partir de los seis años. Esta
alfabetización musical general favoreció un
desarrollo musical muy sólido con una fuerte
fundamentación teórica.
Los
modos musicales griegos se convertirían en la base
de música religiosa occidental y, por extensión, de
la música clásica . En cuanto a la música griega
posterior, recibió las influencias del Imperio
Romano, de las culturas de la Europa del Este y los
siglos de dominio del imperio bizantino .
Al
siglo XIX compositores de ópera como Nikolaos
Mantzaros (1795-1872), entre otros, revitalizar la
música clásica griega.
Música occidental
Los
principales centros de producción ( composición y
interpretación ) de la música a la que la historia
de la música ha dedicado su atención preferente
fueron, durante la Edad Media, los monasterios, a
los que se sumaron las grandes catedrales a partir
del siglo XII , las cortes nobiliarias ; más tarde
fue a las ciudades donde se concentró el más
innovador e intenso de la vida musical.
Aunque durante la alta edad media hubo bastante
actividad musical como se deduce, entre otras cosas,
de las descripciones artísticas de instrumentos
musicales y de escritos sobre música, el único
repertorio de música que ha sobrevivido anterior al
800 es la música litúrgica de canto llano de la
Iglesia Católica Romana, mayoritariamente el canto
gregoriano y otros cantos de alcance geográfico y
temporal menor.
El
Papa Gregorio I dio su nombre a este tipo de
repertorio musical, y puede haber sido él mismo uno
de los compositores. Generalmente se afirma que él
fue el creador de esta parte musical de la liturgia
en su forma actual, aunque las fuentes que dan
detalles de su contribución son de más de cien años
posteriores a su muerte; muchos eruditos creen que
su reputación ha sido exagerada.
La
mayor parte de este repertorio de canto fue
compuesto anónimamente durante los siglos que van
desde el tiempo de Gregorio hasta el de Carlomagno .
Durante el siglo IX se produjeron tres hechos
especialmente significativos:
-
La acción unificadora, por parte de la Iglesia
Católica , de las diversas tradiciones litúrgicas
y de canto religioso, suprimiendo muchas de ellas
en favor de la liturgia gregoriana y el canto
gregoriano.
-
La aparición de la polifonía , concretamente del
organum, un tipo de polifonía en movimiento
paralelo.
-
La reinvención de la notación musical. Este hecho
es de una especial trascendencia en la historia de
la música.
Después de un lapso de unos 500 años se volvían a
utilizar grafías musicales, aunque aún sería
necesario que pasaran varios siglos más antes de que
el sistema de notación determinara con más precisión
la duración ( ritmo ) y la altura ( tono ).
A
partir del 1100 aparecieron varias escuelas de
polifonía musical:
La
escuela de organum de St. Martial, con una música
que a menudo se caracterizaba por el movimiento
rápido de una voz sobre una línea melódica simple y
mantenida.
La
escuela de Notre Dame , con los compositores Léonin
y Pérotin que, alrededor del 1200, ya producía la
primera música polifónica para más de dos voces.
La
tradición musical de Santiago de Compostela , en
Galicia , un gran centro de peregrinaje y un lugar
donde convergieron artistas de muchas culturas
diferentes; su música ha sobrevivido en el Codex
La
escuela inglesa, la música de la que ha perdurado en
el Worcester fragmentos y en el Old Hall Manuscript.
Junto a estas escuelas de música sacra , también
existía y se desarrollaba una viva tradición de
canto secular , ejemplificada en la música de los
trovadores , trouvères y minnesänger , y de música
de danza, tanto vocal como instrumental.
Las
principales formas de la música sacra polifónica que
se desarrollaron hasta finales del siglo XIII
incluían el motete , el conductus , el Discant , y
la cláusula. Un desarrollo inusual fueron el
Geisslerlieder , música de grupos de flagelantes que
vagaban por Europa especialmente durante dos
períodos:
Durante la gran Peste Negra , alrededor de 1350 , y
en los años posteriores. Esta música, que mezclaba
el estilo de la canción popular con textos
penitentes o apocalípticos, quedó bien grabada con
la correspondiente notación musical.
En
el siglo XIV dominó el estilo del ars nova , que por
convención se incluye en la era medieval de la
música, aunque tenía mucho en común con los ideales
y la estética del primer Renacimiento.
Es
una música mucho más vinculada al mundo urbano;
mucha de la música que sobrevive de esta época es
secular, y tiende a utilizar formas fijadas: la
balada , el virolai , el lai , el rondeau , que
corresponden a estructuras formales poéticas de los
mismos nombres.
Muchas de estas piezas están compuestas por una a
tres voces, probablemente con el acompañamiento
instrumental: los compositores más famosos fueron
Guillaume de Machaut y Francesco Landini .
Paralelamente seguía existiendo una música monódica
tanto al canto litúrgico como la música profana de
danza.
Música del Renacimiento
El
comienzo del Renacimiento en la música, ya
diferencia de las artes plásticas ni está tan bien
delimitado en el tiempo, ni tiene lugar en Italia
sino que lo hace más hacia el noroeste de Europa, en
el área que actualmente comprende el norte y centro
de Francia , los Países Bajos y Bélgica, ni pretende
un verdadero re-nacimiento de la antigüedad clásica.
En
este periodo, los principales centros nobiliarios y
las grandes catedrales se dotaron de capillas en las
que se reunían compositores, cantores e
instrumentistas; cada centro procuraba, en la medida
de sus posibilidades, los mejores músicos.
El
estilo de los compositores de la Borgoña , la
primera generación de la escuela francoflamenca ,
representó -al principio- una reacción al ue se
consideró una excesiva complejidad y artificiosidad
del estilo de finales del siglo XIV, el ars
subtilior.
Este estilo se caracterizaba por un tipo de melodía
clara y una equilibrada polifonía en todas las voces
mediante el uso del contrapunto imitativo. Los
compositores más famosos de la escuela borgoñesa
mediados siglo XV fueron Guillaume Dufay , Gilles
Binchois y Antoine Busnois.
Hacia mediados del siglo XV , compositores y
cantantes de los Países Bajos y áreas adyacentes
empezaron a ser reclamados para trabajar en toda
Europa, especialmente en Italia, donde eran
contratados en la capilla pontificia en Roma, y por
los grandes aristócratas y mecenas de las artes,
como los Medici en Florencia , los Este en Ferrara ,
y los Sforza en Milán.
Allí donde iban, difundían su estilo de polifonía
que se podía usar tanto en la música sacra como en
la secular . Los principales géneros de la música
sacra de la época eran la misa y el motete ; las
formas seculares incluían la chanson, la frottola y,
más tarde, el madrigal.
La
invención de la imprenta tuvo una gran importancia
en la diseminación de los estilos musicales, y en la
difusión de la música y el estilo francoflamenca por
toda Europa; contribuyó al establecimiento del
primer estilo verdaderamente internacional de la
música europea desde la unificación del canto
gregoriano en la época de Carlomagno, 700 años
antes.
Otros compositores de la escuela francoflamenca
fueron:
Johannes Ockeghem, que escribía música en un estilo
contrapuntístico bastante complejo, con una textura
variada y un uso elaborado los mecanismos canónicos.
Jacob Obrecht , uno de los compositores de misas más
famosos de finales del siglo XV.
Josquin Desprez , probablemente el compositor más
famoso en Europa antes de Palestrina ; durante el
siglo XVI tenía la fama de ser uno de los mejores
creadores en cualquier forma musical.
La
música de la generación posterior a Josquin Desprez
desarrolló la complejidad del contrapunto ;
posiblemente el ejemplo más relevante de esta
tendencia fue la música de Nicolas Gombert. Su
elaborado contrapunto influyó en las composiciones
de lo que sería el inicio de la música instrumental,
con formas como la canzona y el ricercare , que
desembocarían en la fuga barroca.
A
mediados del siglo XVI , el estilo internacional
comenzó a descomponerse, y aparecieron una serie de
nuevas tendencias estilísticas, bastante diversas.
Fundamentalmente hay que destacar:
Una
tendencia hacia la simplicidad en la música sacra,
impulsada por la Contrarreforma del Concilio de
Trento, y ejemplificada en la austera perfección de
la música de Giovanni Pierluigi da Palestrina;
Una
tendencia hacia la complejidad y el incremento del
cromatismo en el madrigal, que culminó en el estilo
de vanguardia de la Escuela de Ferrara de Luzzaschi,
y del último gran madrigalista del siglo, Carlo
Gesualdo.
Una
música grandiosa, de ancha sonoridad, del escuela
veneciana , que aprovechaba la arquitectura de la
Basílica San Marcos de Venecia para crear una música
de grandes contrastes
Claudio Monteverdi (Bernardo Strozzi, 1640)
Claudio Monteverdi
(Bernardo Strozzi, 1640)
La
música de la escuela veneciana aporta a la música de
finales del siglo XVI y primeros años del XVII un
marcado sentido del lujo y de abundancia de
recursos, la policoralidad, la especulación tímbrica
y la instrumentación, el gusto por la ornamentación
y el uso del bajo continuo . Muchos de estos
elementos se traspasaron a la música barroca.
Entre los compositores más famosos de esta escuela
hay que citar Andrea y Giovanni Gabrieli, y Claudio
Monteverdi, uno de los innovadores más
significativos del final del periodo.
Inglaterra, España, Alemania y Francia
A
finales del siglo XVI, existían tradiciones
musicales activas y bien diferenciadas en diferentes
lugares de Europa:
En
Inglaterra destacan compositores como Thomas Tallis
y William Byrd , que escribían música sacra con unas
técnicas similares a las del continente pero con un
regusto bien inglés, y un grupo activo de
madrigalista como Thomas Morley y Thomas Weelkes,
que adaptaron la forma italiana a gustos ingleses.
En
España se desarrollaron estilos instrumentales y
vocales propios. Tomás Luis de Victoria componía
música con un refinamiento similar al de Palestrina;
varios compositores escribieron abundante música
para Viola de mano (vihuela) sola o con voz.
En
Alemania se cultivaban formas polifónicas
construidas a partir de los corales protestantes que
fueron reemplazar el canto gregoriano propio del
catolicismo. Por otra parte, importaron el estilo de
la escuela veneciana que definiría el comienzo del
Barroco musical.
Además, los compositores alemanes escribieron
grandes cantidades de música para órgano,
estableciendo las bases para el gran desarrollo
posterior del órgano barroco que culminaría con la
obra de JS Bach.
Francia desarrolló un estilo único de dicción
musical conocido como la música medida, y que se
utilizaba en las canciones seculares. Uno de los
compositores más relevantes fue Claude Le Jeune.
Los
inicios de la ópera
Uno
de los movimientos más revolucionarios de la época
se desarrollaría en Florencia durante los años 1570
y 1580, bajo el impulso innovador de la Camerata
florentina que, irónicamente, tenía una voluntad
reaccionaria. Sus miembros, descontentos con la
música del momento, pretendían restaurar la música
de la antigua Grecia.
Dos
de los compositores más representativos var ser
Vincenzo Galilei , el padre de Galileo , y Giulio
Caccini. Las consecuencias de su acción fue la
consolidación de un estilo de canto declamado muy
melódico, conocido como monodia, y de la
correspondiente forma dramática, que era
escenificada, forma que posteriormente se conocería
con el nombre de ópera.
Las
primeras óperas, escritas alrededor de 1600, también
sirven para delimitar el final del renacimiento y el
comienzo del Barroco musical.
Otros elementos de la música del Renacimiento
La
música anterior al 1600 era más modal que tonal. Las
aportaciones de teóricos de la música de finales del
siglo XVI, especialmente de Gioseffo Zarlino y
Franchinus Gaffurius, abrieron las puertas al
desarrollo de la tonalidad en la práctica musical.
Las
escalas mayores y menores empezaban a predominar
sobre los antiguos modos eclesiásticos, inicialmente
de manera obvia en las cadencias, y extendiéndose
progresivamente a toda la obra.
Uno
se refiere a menudo a música posterior al 1600, que
es cuando aparece la música tonal y el Barroco
musical, con el nombre de música clásica.
Paralelamente a la música vocal, preponderante en la
época, la música instrumental polifónica tuvo un
primer periodo de esplendor, sobre todo gracias a la
música de baile (mayoritariamente homofónica , a los
tratados didácticos, y los géneros intrínsecamente
instrumentales de alguna modo derivados de los
vocales.
Música del Barroco
En
el Barroco, los grandes focos de música polifónica y
concertando continuaron siendo las cortes reales y
las casas nobiliarias, y los templos principales de
las grandes ciudades europeas.
Continuando una tradición ya iniciada en el siglo
XVI se esperaba del noble que no sólo apreciara la
música que escuchaba sino que, a la vez supiera
tocar algún instrumento y/o cantar ‘, lo que fue
determinante para que la música alcanzara el estatus
que tuvo en el Barroco.
El
contrapunto y la melodía acompañada fueron dos
rasgos característicos (a la vez que, hasta cierto
punto, antagónicos) tanto en la música instrumental
como de la vocal. En este último terreno, fue la
ópera el género y la forma musical de más
trascendencia, tanto para la producción en sí como
por la influencia en otros géneros como el oratorio.
Una
vez creados, en el Renacimiento los primeros géneros
de la música instrumental, ésta comienza, en el
Barroco, un proceso de aumento gradual de
protagonismo que debería continuar aún: los públicos
se interesaron más, los compositores se tuvieron más
dedicación, y se definieron algunas de las formas
musicales más básicas como los diversos tipos de
sonata y de concierto.
La
mayoría de géneros implicaban la presencia del bajo
continuo , un bajo creado por el compositor ya
partir del cual el intérprete resolvía –
improvisando la armonía que estaba implícita, a
menudo con complejos juegos contrapuntísticos.
El
teclado, especialmente el clave, era el instrumento
dominante, y con la llegada de la afinación
temperada abrían posibilidades para tocar en todas
las tonalidades.
El
bajo continuo es uno de los rasgos característicos
del Barroco y era realizado de forma habitual por un
teclado (clavecín o órgano, oa veces un laúd), y un
instrumento grave, como una viola da gamba o un
fagot.
Los
compositores más relevantes fueron Johann , George
Frideric Handel , y Antonio Vivaldi , por encima de
muchos otros autores destacados, algunos con una
gran producción, difusión e influencia.
Clasicismo musical
La
música del Clasicismo se caracteriza por un estilo
mucho más fácil de entender que el del Barroco: una
textura homofónica, el recurso frecuente a la
melodía con acompañamiento (aunque se mantuvo el uso
del contrapunto como elemento decorativo, a menudo
incorporado al final de una obra, o puntualmente
como el mecanismo compositivo de un movimiento
único), melodías que tendían a ser muy cantables,
frases muy simétricas, y estructuras formales muy
cerradas y fuerza rígidas.
El
notable crecimiento de la música instrumental (sobre
todo con inventos de tanta proyección como el piano,
la orquesta , la forma sonata y la sinfonía) no
arrinconó la ópera , que se siguió desarrollando,
especialmente en el formato de ópera bufa y de otros
géneros cercanas, algunos en las lenguas nativas de
cada territorio.
Hay
que recordar que hasta ese momento las óperas se
cantaban generalmente en italiano.
Patrones sencillos, como arpegios y, en la música
para piano, el bajo de Alberti (un acompañamiento
con un típico patrón repetitivo en la mano
izquierda) eran utilizados para animar el movimiento
de una obra sin crear voces adicionales que pudieran
generar confusión.
La
música instrumental, muy innovadora, estaba dominada
por varios géneros bien definidos, especialmente por
la sonata y el cuarteto de cuerda en la música de
cámara, y la sinfonía , y el concierto en el
orquestal.
Las
tres utilizan el que posteriormente (ya en el
Romanticismo llamaría forma sonata , que maduró
durante el Clasicismo para convertirse en el
principal elemento estructural para componer música
instrumental durante el siglo XIX.
Si
bien la musicología germana ha puesto el énfasis en
el papel que la Escuela de Mannheim (con
compositores como Johann Stamitz y Carl Stamitz )
tuvo en la configuración del estilo clásico, no hay
que menospreciar la influencia de los operista
italianos.
El
gran configurador del estilo clásico maduro, sin
embargo, fue Joseph Haydn . Wolfgang Amadeus Mozart
fue la figura capital de este periodo, y un genio
excepcional; su producción, cuantiosa y variada,
abarca todos los géneros y, de alguna manera, define
la percepción que tenemos de lo que es el Clasicismo
musical.
Ludwig van Beethoven y Franz Schubert serían los
compositores que se encargarían de la transición
hacia el romanticismo, estilo que iniciarían
expandiendo las posibilidades creativas de los
géneros , formas y funciones existentes en la música
de aquella época.
Música del Romanticismo
La
música del Romanticismo tiene un vínculo con el
resto de facetas del pensamiento y la cultura
(especialmente la literatura y la filosofía ) de la
época posiblemente superior a la de otros periodos.
La composición emprende una búsqueda de expresividad
y de emoción que lleva a una flexibilización de las
formas musicales emanadas del Clasicismo.
Entre los primeros compositores más famosos de la
primera época se pueden destacar: Rossini , Schumann,
Chopin, Mendelssohn, Bellini y Berlioz, además de
Schubert y Beethoven.
En
la segunda mitad del siglo XIX se produjo una
expansión en las dimensiones de la orquesta , y la
consolidación del concierto como una actividad
relevante en el ámbito cultural y social. Los
grandes focos de producción musical son las grandes
ciudades donde habita un público, mayoritariamente
burgués, que ha integrado la asistencia al concierto
como un hábito.
La
necesidad de poder meter cada vez más público en un
concierto hizo crecer las dimensiones de salas de
conciertos, lo que provocó el aumento del volumen de
sonido de la orquesta algo que sólo se podía
conseguir con más instrumentos, especialmente de
instrumento de metal, que la revolución industrial
había permitido desarrollar.
En
esta época destacaron compositores como Johann
Strauss , Brahms , Liszt , Bizet , Tchaikovsky ,
Verdi y Wagner.
Entre 1890 y 1910, se puede considerar la existencia
de una tercera generación de compositores con
estilos muy diversificados pero que todavía tienen
una cierta relación, más cercana o alejada, con el
romanticismo.
Debussy , Mahler , Richard Strauss o Puccini ,
construyen las sus composiciones a partir de las de
sus predecesores y, algunos de ellos, crean obras
más complejas y, a menudo, mucho más largas. Otras
figuras destacadas son Ravel , Rachmaninov y Elgar.
Algunas de ellas se consideran posrománticos
En
concordancia con los movimientos sociales
existentes, un buen número de compositores se
desvincularon de la corriente general de
predominancia germánica y reivindicar elementos
propios de sus países.
En
el caso de los autores que utilizaron elementos de
sus respectivos folclores se les ha conocido como
compositores nacionalistas , movimiento que en
Europa lideraron compositores como Smetana, Dvorak,
Sibelius y Grieg. En el ámbito catalán y español
cabe destacar la figura de Pedrell , y compositores
de la talla de Albéniz Granados, Tárrega.
Música del siglo XX
En
el siglo XX se produjo una revolución en las artes
en general, y en la música en concreto. La búsqueda
de la libertad y la experimentación en la creación
en el sentido más amplio del término llevó a la
aparición de unos estilos musicales totalmente
nuevos que desafiaban y, a menudo rompían las reglas
musicales aceptadas en periodos anteriores.
En
esta dinámica innovadora destacan, entre otros,
compositores como Stravinsky , Schönberg , Berg y
Shostakovich .
La
invención de instrumentos electrónicos y la
posibilidad de grabar el sonido representó una
dimensión diferente tanto en el ámbito de la música
llamada clásica, como en la popular. La confluencia
de culturas generaron una explosión artística y
comercial de estilos musicales muy influyentes, como
fue el jazz , y hacia los años 50, del rock y la
música pop .
Este desarrollo tecnológico, cada vez más acelerado,
convertido durante el siglo XX dio un impulso enorme
al hecho musical. Primero, el invento de la radio ,
que llevó la música a todos los rincones de la
sociedad.
Los
nuevos medios de comunicación , con el apoyo de
nuevas tecnologías, iban desarrollando sistemas para
registrar, captar, reproducir y distribuir música.
La
comunicación musical ya no se limitaba a la
actuación en directo, mediante los conciertos;
existían otros mecanismos para que los artistas se
hicieran famosos y esta fama se podía esparcir más
rápidamente por todo el mundo.
Por
otra parte, las audiencias estaban expuestas, más
que nunca, a una oferta más amplia y diversa de
música. Las actuaciones recibían el apoyo de los
medios audiovisuales y la emisión y grabación de
vídeos de música enriquecía las posibilidades de los
medios exclusivamente sonoros.
Fuente:
Historiadel.net
